PLANTILLAS: UNA EXPRESIÓN CALLEJERA DE CARÁCTER ANÓMINO

Por : Lina Maria Pedraza

A continuación les dejo una interesante entrevista realizada a JUAN CARLOS MARENTES, diseñador gráfico, dedicado de lleno al arte revolucionario.
El esténcil es una corriente de expresión urbana, la cual se comenzó a manejar como forma de expresión revolucionaria; es una técnica que usa plantilla (la palabra esténcil significa plantilla en ingles). Es una derivación del graffiti y se comenzó a utilizar históricamente en Europa como una expresión marginal. Veamos más a cerca de esta expresión.
LP: ¿Dónde naciste y cuáles son tus orígenes?
JCM: Nacido en Bogotá-Colombia, orígenes familiares: Italia- España. Orígenes artísticos-escuelas de artes y lecturas sobre arte corporal.
LP: ¿Cuándo comenzó tu inquietud por los caminos del arte?
JCM: Desde la escuela o primaria, rayando baños, cuadernos y participando en concursos de arte en el colegio, así gane un premio Pelikan por ilustrar en un pliego con carboncillo y otro de Prismacolor por sacar dos colores nuevos mezclando colores, así se hicieron los colores y me dieron el titulo por eso.
LP: ¿Cómo es Juan Carlos Marentes como persona?
JCM: Lector visual y textual, sensorial mentalmente con las actitudes de las personas, respondo gráficamente al contexto que me rodea, ya como persona ajena al diseño, un hombre que le gusta escuchar a las personas para analizarlas y decidir que me brindan.
LP: ¿Qué influencias tempranas tuviste con respecto a las artes?
JCM: Dalí, Picasso, Joe Sorren, Graffiti, Carterlismo, Sarah Mensinga, Neruda, Paolo, y demás escritores, poetas y pintores medievales.
LP: ¿Cuál es tu concepto sobre el esténcil?
JCM: Durante los últimos cinco años, se ha presentado con un tímido desarrollo en los muros de la ciudad, el graffiti esténcil. La así llamada técnica del estampado con plantillas que fue resucitada en Europa como un método de graffiti práctico y eficaz, ha impuesto una nueva modalidad de expresión callejera de carácter anónimo y muy personal así se denoten conceptos generales, que ha generado una plaga de diseños diferentes, cada uno con la visión particular de su autor.
Esta nueva modalidad de graffiti se caracteriza por llevar una carga conceptual importante, con algunas excepciones.
Los diseños en su gran mayoría nos hablan de una opinión personal del autor o escritor, que se manifiesta por medio de una imagen, la cual requiere de un proceso creativo y de diseño, aunque en casos ajenos el proceso es burdo, por lo que se establece una relación directa entre personas vinculadas al área de las comunicaciones y el graffiti.
Esto, sumado a las cualidades estéticas de la técnica, dan como resultado el creciente fenómeno urbano llamado graffiti esténcil que ya ha generado un reconocido circuito de acción y difusión en prácticamente todo el mundo, siendo un vehiculo de comunicación efectivo.
LP: ¿En qué momento empiezas a interesarte por el esténcil?
JCM: En el momento en que la ciudad se ve proliferada de diseños, graffitis y demás graficas callejeras, que daban pie a España y norte Americaa incursionar esta corriente del esténcil, dándome lectura de piezas mas pulidas y definidas.
LP: ¿Trabajas por series temáticas?
JCM: Si, no me gusta realizar una pieza sin ningún concepto, me parece un no-aporte a la corriente, llamándose así, manchones "concepto personal".
LP: ¿Reconoces algunas influencias en tus obras?
JCM: Claro, mezclo todo lo que como en ilustración en mis piezas, mezclo las lecturas y postulados que he escrito en ellas.
Los referentes son muy buenos, todos tenemos referentes ahora inventar creo que no es casi imposible, la gente coge cosas y las mejora, o innova mezclándolas con otras.
LP: ¿Has trabajado otras técnicas?
JCM: Oleo, acrilico, esténcil, graffiti, aerografía, graffito, pasteles, aguadas, muralismo, modelado 3D, animación, video, scracht, lápices de colores, etc.
LP: ¿Que técnicas empleas y cómo comienzas un graffiti?

JCM: En un graffiti ya únicamente, utilizo pinceles, plantillas, aerosol, lápiz, sharpie.
No me gusta utilizar solo el aerosol, hoy en día existen variedad de herramientas que te brindan poder realizar piezas mejor elaboradas.Un graffiti de Juan comienza con un boceto o sketch, se pasa al muro con lápiz y se comienzan a definir sombras y brillos, luego ya un color plano para comenzar a materializarlo con los demás que conformen el diseño.
LP: ¿Perteneces a algún colectivo?
JCM: Pues existen dos, The Real Collective TRC, y Defractal, son colectivos no de graffiti ni solo de graficas urbanas, se enfocan en una graficainteractiva e impresionista en el sentido de que se pretende, causar impacto ya sea positivo o negativo pero causarlo es la cuestión.
Defractal es un colectivo de arte, TRC es un colectivo de diseño experimental.Hemos sacados piezas como murales, graffiti, stickers, Art Books o agendas de bocetos, y un Fanzine que sigue en remojo desde hace un año.
LP: ¿Planes para el futuro con tu arte de expresión urbana?
JCM: Poder desplazarlo a diferentes ciudades y países y que sea un puente de comunicación con otros artistas.
LP: ¿Qué otras actividades realizas?
JCM: Soy diseñador gráfico, dirijo proyectos interactivos con la Universidad los Libertadores, ilustro libros, escribo historias, algo de poesía para ilustrarlasy dirijo algunos proyectos de grado de forma no institucional.

AMOR AL ARTE

Por: LEONARDO MEJIA CASAS

Para la maestra de ballet clásico CONSUELO SALAZAR su vida gira en torno a esta disciplina artística. Luego de estudiar en Filadelfia, en el año 71 y de especializarse como maestra en el Royal Ballet School de Londres, en el 78, regresó al país para entregarse de lleno a su gran pasión: el ballet.

Ya por los 80, el Teatro Colón de Bogotá fue su vitrina principal, al lado de Ana Consuelo Gómez (figura del ballet colombiano) demostró todas sus capacidades interpretando obras como: El Lago de Los Cisnes, Paquita y Cuatro Temperamentos, bajo la dirección de Nadia Pochekova, Directora del Ballet Nacional de Colcultura, en aquél entonces.

Esta mujer, de carácter fuerte, pero de un modo de ser especialmente sencillo, ha dedicado su vida al arte del Ballet, hoy como profesora inculca a sus aprendices la disciplina y la fortaleza que se deben tener para llegar a ser una bailarina profesional. Su academia enseña la técnica rusa Vaganova, que es el híbrido de técnicas americanas y rusas en donde se interpreta la danza
Moderna combinada con el jazz.

Estuve en su academia y hable con Sandra una de sus mejores alumnas y nos comentó sobre su experiencia en el ballet.

¿Y ADONDE PEREGRINAREMOS?

Presentado Por: Adriana Montaño

Tras el cierre del sendero peatonal para subir al Santuario de Monserrate, decretado por la Alcaldía Mayor de Bogotá, a continuación conoceremos detalles de cómo será la celebración de la Semana Santa en la capital. Para tal efecto, nos acompaña el padre Víctor Ricardo Moreno, delegado de comunicaciones de la Arquidiócesis de Bogotá.

Azkaban: ¿Padre a que acuerdo llegó con las autoridades de la Capital?

Padre Víctor Moreno; Precisamente que dan tres cosas claras entre la Secretaria de gobierno y el Cardenal Pedro Rubiano Sáenz rector del Santuario de Monserrate, primero la iglesia quiere cuidar la vida de los fieles, de los pelegrinos, de aquellos que quieren buscar al Señor , segundo no se cierra el Santuario por que siguen siendo miles de personas las que usan el sistema mecánico para subir, y tercero se esta buscando el modo de atender mejor la devoción para los días de semana santa varias propuestas existen.

A: ¿Padre entonces habrá celebración de Semana Santa común y corriente en el santuario?
P. VM: El santuario no se cierra no se quitan los servicios continúan las celebraciones.
A: ¿Cuándo van a bajar al Señor Caído a la Capital?
P. VM: El día no se ha decidido toda vía creemos que va hacer por lo menos de domingo a domingo para que toda la Semana Santa tenga la posibilidad la gente de ir a pasar la Semana al pie del Señor Caído en la Catedral Primada.
A: ¿esta es la primera vez que se cierra el sendero peatonal al Santuario?
P. VM: Debemos recordar que este sendero se trabajo cuando se estuvieron colocando las escalas hubo necesidad de desviar el camino ahora esta es una decisión del gobierno distrital, no es de la iglesia, no es del rector del santuario, no es del cardenal Rubiano sino que nuestro arzobispo ha querido escuchar las indicaciones del gobierno para evitar el peligro sobre los fieles.
A: ¿Qué piensan ustedes de este cierre temporal como afectaría los católicos que visitan diariamente o masivamente el Santuario?
P. VM: La fe en si misma no se va haber afectada, creemos verdaderamente eso por que sabemos que nuestros fieles buscan al Señor no solamente allí en el Santuario de Monserrate sino que buscaran participar de sus devociones en otros lugares de la Arquidiócesis de Bogotá. Solo que evidentemente el signo de subir la montaña para encontrarse con el Señor es un signo devocional muy fuerte entre nosotros, ahora se va haber un poco interrumpido pero como decía el rector del santuario, si hay algunas devociones, algunas promesas, se pueden posponer que el Señor las va a entender.

A: ¿Padre algún mensaje especial para los Pelegrino?
P. VM: En Semana Santa la Santa Iglesia Católica nos va ofrecer muchos lugares de devoción que van a estar abierto el santuario de Monserrate que pueden acudir masivamente a las parroquias a la Catedral Primada y allí tendremos nosotros la celebración de la Semana Santa el Señor sigue acompañándonos y acompaña a esta ciudad que nació con la fe Santa Católica.

Padre Víctor Ricardo muchas gracias por esta entrevista. Con todo gusto los esperamos entonces en las parroquias en Semana Santa gracias padre
Azkaban hace la invitación a sus lectores a vivir esta Semana Santa con fe y devoción en nuestra Capital.

¡YA ESTA LISTA LA TERCERA EDICIÓN DEL CONCURSO NACIONAL DEL CUENTO!

Por: Deisy Rojas Rodríguez

La Tercera Edición del Concurso Nacional del cuento ya esta lista las inscripciones están abiertas desde el 17 de marzo y los aspirantes tendrán plazo de inscribirse hasta el 17 de mayo, este año la novedad es que los docentes también se pueden inscribir en cada una de las categorías que se tiene dispuestas para este año. Son cuatro las categorías en las que se puede inscribir los aspirantes teniendo los requisitos. CATEGORÍAS Categoría 1 Estudiantes de primero a séptimo grado. Habrá 10 ganadores Categoría 2 Estudiantes de octavo a undécimo grado. Habrá 10 ganadores. Categoría 3 Estudiantes de pregrado de cualquier carrera universitaria, técnica profesional y/o tecnológica. Habrá 10 ganadores. Categoría 4 Docentes de preescolar, básica, media, ciclo complementario y pregrado. Habrá 5 ganadores. En la edición anterior 28.548 estudiantes se inscribieron quienes asumieron el reto de dejar volar su imaginación y atendieron la convocatoria y fueron solo 30 los premiados en el marco de Hay Festival realizado en Cartagena en febrero de este año, los cuales fueron considerados los mejores según un destacado jurado internacional. Para escribir una buena historia hace falta tener clara la idea de lo que se quiere plasmar ya que para poder participar se debe presentar un muy buen escrito, claro y preciso además de tener algo que sea atractivo y novedoso para que tenga impacto en los espectadores, participantes y jueces porque el concurso por ser un concurso literario es exigente. Según el veredicto del jurado la clave de los ganadores del año anterior fue el amor con el que escribieron los cuentos sobre todo el rigor, las historias premiadas están hechas para que los lectores más exigentes las lean y se maravillen. Este año el concurso hace un homenaje Germán Espinoza, escritor colombiano nacido en Cartagena y ha escrito más de 30 libros entre poesías, novelas, cuentos, ensayos y biografías.

Por: John Miller Hernández


Estuvimos en una de las más antiguas academias de danza ballet en Bogotá con una trayectoria de 25 años, la artista nos cuenta sus experiencias en este tiempo.

CONSUELO SALAZAR. Nació en Bogotá, inicio estudios de ballet con Vladimir Volsky y Antonio Castillo. Luego viajó a los Estados Unidos a continuar con sus estudios en la Escuela de Pensilvania Ballet, de regreso a Colombia fundó la Academia de ballet CONNIE. Posteriormente viajo a Londres a estudiar Pedagogía del ballet en la Escuela del Royal Ballet.
Realizo estudios en Técnica Corporal, Danza Rusa y de carácter con Mary y Anatole Smirnof. También estudio Ballet Clásico con Sulamit Messerer, Ballet Moderno y Jazz con Irina Brecher. Formo parte del Ballet Clásico Nacional de Bogotá, durante varios años. Y en la actualidad esta dedicada a la docencia del Ballet Clásico.

¡DE PELICULA!

Por: Wilton Loaiza

El movimiento cinematográfico en Colombia cada día es más fuerte, hoy día es más habitual encontrar jóvenes interesados en estudiar dramaturgia o producción de medios audiovisuales, y es que cada día nuestro cine adquiere más prestigio a nivel internacional, de hecho este fin de semana en México se llevo a cabo un festival de cine, en donde el invitado especial es Colombia, esto sin duda es un gran honor si se tiene en cuenta que México, es uno, sino el país latinoamericano con mayor tradición y trayectoria cinematográfica junto a Argentina y Chile. Es importante conocer que diagnostico o expectativa tienen los nuevos realizadores audiovisuales sobre el cine en Colombia, su evolución, desarrollo y su proyección internacional, por ello, conversamos con DAIANA SIERRA, una bogotana de 30 años, realizadora de medios audiovisuales egresada de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, quien nos respondió algunas preguntas sobre el presente, futuro y sobre otros aspectos concernientes a la cinematografía.

WL: ¿Qué tan fuerte es el movimiento cinematográfico hoy en Colombia?

DS: Considero que actualmente el movimiento cinematográfico en Colombia se está desarrollando de una manera positiva, pues en realidad es un movimiento que ha cogido fuerza en poco tiempo. Ahora es más fácil para el público general y especializado encontrar eventos relacionados con el tema, seminarios, festivales, muestras, etc.

WL: ¿Cómo realizadora de medios audiovisuales, considera usted que hoy en Colombia se produce cine de calidad, estamos muy lejos de otros países suramericanos que se destacan como chile, Brasil o Argentina?

DS: La industria cinematográfica en el país, se ha desarrollado rápido en poco tiempo, a esto me refiero desde el punto de vista de la cantidad de películas que se producen ahora por año, anteriormente el número de producciones era mucho menor, pero a pesar de esto, es una industria que aun le hace falta, aun no hemos alcanzado el nivel necesario, para producir películas de la calidad de países donde la industria es completamente desarrollada, por ejemplo países como Brasil, México y Argentina.

WL: ¿El cine moderno se apoya bastante de efectos especiales, están los cineastas colombianos preparados para afrontar esta nueva realidad tecnológica?

DS: Preparados? tal vez. El problema es que en Colombia no hay ni el presupuesto, ni muchos proyectos de este tipo, ni el espacio para poder definir si estamos o no preparados completamente para afrontar las nuevas tecnologías.

WL: ¿Es viable hacer cine en Colombia, existe apoyo por parte de alguna entidad estatal o privada para los nuevos directores de cine o estamos como en otros campos frente a monopolios?
DS: Si existe apoyo, pero es muy poco, hay entidades como proimágenes en Movimiento que promueven a los realizadores con presupuesto para realizar sus proyectos, el problema es que son muchas personas en busca del patrocinio, también existe el Ministerio de Cultura, que al año manejan un presupuesto para realizar ciertos proyectos audiovisuales. Últimamente se creó la comisión fílmica que es un proyecto en el cual participa el Ministerio de Cultura y busca promover toda producción audiovisual en el país, pero como todo proyecto realizado por el Ministerio en el que se busca exportar el mensaje de los colombianos, yo espero no sea otro proyecto, donde solo se muestra la decadencia del país, eso me aburre y por esas mismas razones creo mucha gente se aburre de muchas de las producciones colombianas.

WL: ¿Si usted, pudiera llevar a la pantalla grande una obra literaria, cual seria y por qué?

DS: La Paloma de Patrick Suskind, esta es la sinopsis del libro, es la historia de un incidente en París. Una parábola de cotidianidad insólita que se agranda hasta adquirir la dimensión de una pesadilla. Un personaje singular descubre cierto día la presencia inesperada de una paloma ante la habitación en la que reside. Este percance, imprevisto y minúsculo, cobra proporciones aterradoras en la mente del protagonista, y convierte en una pesadilla pavorosa y grotesca a un tiempo la jornada de su vida, de la que el lector será testigo. Maestro de la alusión y de lo obsesivo, Süskind revela una vez más su don de edificar, sobre la paradoja o la rareza aparentes, una reveladora metáfora moral del trasfondo de la existencia humana. Por qué? pues porque mi estilo como realizadora es el suspenso y el terror y esta historia tiene los elementos necesarios para hacer una buena producción.

WL: ¿Cuál de los festivales de cine que se desarrollan en Colombia cree usted qué es el más importante y por qué?

DS: El festival de cine de Cartagena pues porque a pesar de estar lejos de mi alcance es un festival reconocido a nivel mundial y que tiene mucha tradición

WL: ¿Que director y qué película recomendaría usted y por qué?

DS: Sin duda (SLUMDOG MILLIONAIRE) Quiere ser millonario? del director Ingles Danny Boyle, porque tiene todo lo que me gusta, suspenso, miseria, drama, personajes definidos, un perfecto guión y además por que a pesar de ser una película producida por ingleses es una muestra de otra cultura, además de una país donde la industria audiovisual es la más desarrollada del mundo (India)

Teniendo en cuenta las respuestas de esta realizadora de medios se puede decir que el futuro para la filmografía nacional no es un video envolatado, sino más bien un proceso que está en gestación y creciendo, es muy interesante escuchar de un realizador joven comentarios como que se debe cambiar la trama de las películas que actualmente se producen en Colombia, pues en nuestro país como en cualquier otro existen otras realidades diferentes a la violencia y el narcotráfico.

!UN MEXICANO A LO MERO MACHO¡

Por: Paulo Torres.

Guillermo Arriaga, es un destacado guionista Mexicano con largometrajes como AMORES PERROS en 1999 Este echa un enérgico vistazo a la parte oscura de la vida mexicana, con lo que le ganó una nominación al Oscar en la categoría Mejor película extranjera, así como un Premio BAFTA en 2000 en la categoría Mejor película extranjera en idioma extranjero, así como también el Young Critics Award del Festival Internacional de Cine de Cannes en 2000, como también otros premios y condecoraciones en festivales y sociedades alrededor del mundo. El éxito de Amores Perros les valió a Arriaga y a González Iñárritu una invitación de la compañía estadounidense Universal/Focus para la realización de la película 21 Gramos, protagonizada por Benicio Del Toro, Naomi Watts y Sean Penn.

En una entrevista hecha por Luis Garcìa donde nos da a conocer muchas facetas del Guionista, por cortesia de la pàgina http://www.literaturas.com/v010/sec0512/entrevistas/entrevistas-03.htm

Luis García.- Empecemos por el principio. ¿Cuándo y cómo empezó a escribir Guillermo Arriaga?
Guillermo Arriaga.- Empecé a escribir desde niño. Siempre me sentí más a gusto con la palabra escrita. Por suerte en la secundaria impartían un curso de teatro obligatorio. Eso me llevó a leer a los grandes dramaturgos y a montarlos en escena. Antes de los quince años ya había actuado y dirigido en más de veinte obras. A los quince escribí una obra de teatro. La ensayé con un grupo de actores para montarla por más de seis meses. Unos días antes del estreno todos me pidieron que, o cambiaba el final, o nadie la actuaba. Me negué a cambiarlo y me quedé sin obra. Luego escribí para un periódico infantil. Cuentos para niños. El primer pago que recibía por escribir. De ahí empecé con guiones de radio y televisión. Con ello ayudé a pagar mi carrera. A los 24 años tuve una infección en el pericardio, la membrana que rodea el corazón. Nada serio si uno toma medidas. Pero yo no. Descuidé el dolor en el pecho y me seguí preparando como boxeador. Se complicó y tuve que irme dos meses a la cama. Ahí decidí que sería escritor: no quería morirme sin antes dejar una obra que le diera sentido a mi vida.
L.G.- Usted es más conocido como hombre de cine que como narrador.... ¿En qué terreno se encuentra más a gusto?
G.A.- Me considero un escritor en todo el sentido de la palabra y que escoge el medio más adecuado para narrar sus historias: el cuento, la novela, el guión. De hecho siempre he dicho que escribo novelas para cine –no guiones-, ya que pongo el mismo cuidado en el lenguaje, en la estructura, en la construcción de personajes que en una novela.
L.G.- Lo que no cabe duda es que sus relatos son muy.... ¿cinematográficos quizás?
G.A.- No creo que mis relatos sean cinematográficos, al contrario, los considero literatura pura, con un énfasis en el lenguaje, pero sobre todo, en la humanidad de los personajes. No creo en la literatura en la cual el lenguaje es lo más importante. Es un elemento de expresión, no un fin en si mismo. Lo que intenté con mis cuentos es explorar las contradicciones de lo humano.
L.G.- Y crueles, terriblemente crueles, como la vida misma.... Lilly me ha sorprendido por su crudeza.... ¿Cómo nació el relato?
G.A.- Lilly nació de cosas que observé cuando niño. No necesariamente tiene que ver con lo que sucedió en realidad, es un reelaboración. La idea de escribir un cuento sobre algo que conocía surgió de la lectura del personaje de Benjuí, en “El Sonido y la Furia” de William Faulkner.
L.G.- ¿Y qué hay de autobiográfico en sus relatos?
G.A.- Hay mucho y hay nada de autobiográfico en mi obra. Mucho porque uso mi experiencia vital para contar y poco porque lo escrito no es un crónica, sino una invención literaria. Lo que a mí me interesa con toda mi obra es que el lector diga: tiene calle y sabe de lo que está hablando.
L.G.- Lenguaje visual, lenguaje narrativo...., ¿qué busca en la literatura Guillermo Arriaga?
G.A.- Lo que más busco es el lenguaje que mejor me ayude a contar una historia en particular. En “Lilly” fue la narración múltiple de los personajes, en “En la oscuridad”, la primera persona. Siempre he creído que cada historia empuja a un modo distinto de ser contada.
L.G.- Usted es además de escritor de relatos, si me permite, lo podríamos llamar narrador de historias, ¿una especie de notario de la vida?
G.A.- Me considero un contador de historias nato con una preocupación central en las paradojas de la experiencia humana. Entiendo el mundo narrándolo. Si no cuento historias el mundo sería incomprensible para mí.
L.G.- ¿Cómo nació Retorno 201?
G.A.- Después de recuperarme de la infección en el corazón me puse a escribir como loco. Retorno 201 está inspirado en la calle en la que crecí, en la colonia Unidad Modelo, del D.F. Una calle brava y acogedora a la vez. Ahí jugué de niño, me peleé (perdí el olfato a los trece de tanto pelearme), me divertí. Mucho de lo que sé en la vida lo aprendí en esa calle. La mayor parte de los cuentos de Retorno 201 los escribí a los 24 años. Ahora que los publiqué procuré no corregirlos y dejar constancia de lo que eran mis preocupaciones vitales y estilísticas entre mis 24 y mis 28 años.
L.G.- ¿Volverá a la literatura? Porque doy por hecho que si lo hará al cine....
G.A.- Seguiré escribiendo cine un rato más para luego dedicarme por completo a la literatura.
L.G.- ¿Cuáles son sus referentes literarios?
G.A.- Mis maestros son: Juan Rulfo, William Faulkner, William Shakespeare, Pío Baroja, Martín Luis Guzmán, Hernando Téllez, Ernest Hemingway, Sam Shepard, Stendhal.
L.G.- ¿Y que está escribiendo actualmente Guillermo Arriaga?
G.A.- Estoy escribiendo una novela “Los Sapitos” y un nuevo guión.

Entrevista a Constanza López

Por: Lady Quintero

CL: Soy una mujer con muchas inquietudes, me gusta cambiar, estar en movimiento, avanzar, probar nuevas cosas, encarar nuevos proyectos. Mi vida ha sido y es una constante búsqueda, me he desempeñado en innumerables trabajos y esto me ha llevado, a encontrar lo que me hace feliz, la orfebrería, el trabajo con metales. Tengo dos niñas de 10 y 5 años que son mi gran alegría.
LQ: ¿Cómo describe el proceso de creación de sus artículos?
CL: Siempre que inicio un trabajo lo hago con la mayor dedicación, cuido cada detalle desde el inicio hasta el final, lo más grato para mí, es el resultado.
LQ: ¿Cómo define su inspiración?
CL: Mis ideas vienen de cualquier lugar o persona, cada una de mis creaciones es el resultado de pequeñas cosas, todo lo que pasa a mí alrededor: Una imagen, una sensación, una película o una foto. Todo puede servir de inspiración, no tengo algo sistemático armado. Recibo lo que viene, cuando viene. Siempre he pensado que los colores son la magia de mis trabajos.
LQ: ¿Cómo entró al mundo artístico creativo?
CL: Desde pequeña me ha gustado toda clase de actividades artísticas. Estudié danza, dibujo, un poco de teatro, aprendí a coser viendo a mi mamá. Durante mis viajes siempre he buscado aprender algo nuevo, además de mi trabajo diario, siempre he hecho algo relacionado con lo artístico.
LQ: ¿Sólo se dedica a la actividad creativa?
CL: No, adicional a mi gran pasión, (la orfebrería), trabajo en Colserauto en servicio al cliente, el resto de mi tiempo lo dedico a disfrutar con mis hijas.
LQ: ¿Cómo promueve su trabajo?
CL: La mejor manera de promover mi trabajo es llevando siempre alguna de mis creaciones donde quiera que vaya. Trabajo con la calidad de mis piezas y mi fácil relación social e integración. Cualquier lugar es propicio para realizar una venta. Me gusta “parchar”, parchar para nosotros es estar ubicado en algún lugar haciendo una pequeña exhibición de nuestro trabajo, en vacaciones voy de viaje a diferentes lugares como Ecuador, Perú, Bolivia o Colombia, allí me reúno con mis amigos a vender lo que hemos hecho durante el año.

LA BASE DE LA ACTUALIDAD MUSICAL LA ÓPERA Y EL CLASICISMO

Por: Jeisson Rodríguez Vera

La opera y la música clásica, definen lo que hoy se conoce como ritmos o géneros, ya que a partir de esos magníficos próceres creadores de las melodías de música clásica que hoy podemos disfrutar en nuestra época, debido a que por medio de su estructura se han ido tomando estas bases para realizar de una manera sincronizada y casi perfecta, lo que hoy en día conocemos como música. Por eso hacemos referencia a que, gracias a estas bases de número de golpes, brakes, ciclos, que es lo que habitualmente rige la estructura de la música, ya que ha creado un semblante para los productores de melodías en el mundo.

Aficionados de la ópera dicen que es la forma de arte perfecto porque tiene música, comedia y espectáculo – también puede tener un argumento increíble lo cual intriga y despierta las emociones. Generalmente hay un acuerdo que el género se origino en Florencia hacia el final del siglo XVI, donde la ópera fue una manera de vivir, para muchos de aquellos que disfrutaban en esta época con la calidad y sonoridad de esta música. Hubo muchos diálogos hablados entonces pero bajo la influencia de Claudio Monteverdi (1567- 1643) la ópera se desarrolló rápidamente, cogiendo elementos del madrigal y de la música elaborada de la iglesia veneciana, dando más importancia al lugar de las arias y finalmente el recitativo con la música.

Entonces, deducimos que por medio de aquellos personajes que enriquecieron el alma con melodías tan agradables, en cuanto a su sonoridad y a su forma de elaboración, se dio origen a lo que hoy en día conocemos como música, la cual se ha segmentado a través de los años, y no con la estructura de elaboración convencional a la iglesia veneciana, sino que ha dado paso a la creatividad y a la diversidad de costumbres, que han traído consigo una gran cantidad de géneros , los cuales podemos escuchar a través de todo el mundo.

DANZA – BALLET, ¿UNA EXPERIENCIA NUEVA?

Por : Andres F. Solano Rodriguez

Siguiendo con nuestra secuencia histórica y de clases de danza-ballet ahora conoceremos el ballet de acción o también denominado el ballet - pantomima que es un espectáculo coreográfico narrativo que se desarrolla con ayuda de la danza y utiliza la mímica como forma de expresión artística. Se desarrollo en Francia y se extendió por toda Europa hacia la mitad de siglo XVIII; su gran expositor fue Jean-Georges Noverre que escribió cartas sobre la danza y los ballets en las que sugería utilizar movimientos naturales, perceptivos y realistas; Noverre destacaba que todos los elementos de un ballet de acción debían funcionar armónicamente para manifestar su argumento.
Pero es hora de que conozcamos las escuelas de ballet que hay en nuestra ciudad, no son muchas, y nos damos cuenta que no son las suficientes para que este arte escénico entre con fuerza en el ámbito socio-cultural de los colombianos; en Bogotá encontramos entre las más influyentes a:
- Ballet de Colombia Sonia Osorio
- Ballet Anna Pavlova
- Ballarte, Escuela de Ballet Ltda.
- Academia de Artes Guerrero.
- Academia de Ballet Clásico Connie.
- Academia de Danza UNIDANZA.
- Ballet Jaime Orozco
Estas academias enseñan este arte como una formación corporal y expresiva, reforzado con elementos corporales que permitan que las personas se desenvuelvan expresivamente bajo unos parámetros claros de sensibilización, creación, expresión e interpretación.
Consultamos gente del común para saber si conocía alguna de estas academias y las respuestas que encontramos fueron negativas en un 80%, el Ballet de Sonia Osorio fue el único reconocido y recordado por algunos. Dejamos la puerta abierta para que las personas que lean este artículo opinen acerca de sus experiencias con la danza-ballet en Bogotá, o si por el contrario, no tienen ningún conocimiento del mismo, nos hagan llegar sus inquietudes para irlas resolviendo a través de las siguientes publicaciones.

¡PORQUE LO BUENO PERMANECE!

Por : Javier F. Lamprea Moreno

Los festivales al parque son una muestra de cultura que se ha venido desarrollando en Bogotá desde el año 1995 con el primer rock al parque realizado en la ciudad. Actualmente existen varios festivales al parque entre los que encontramos los siguientes:

· Rock al Parque
· Jazz al Parque
· Salsa al Parque
· Opera al Parque
· Hip Hop al Parque
· Ballet al Parque
· Colombia al Parque
· Ranchera al Parque
· Niños y Niñas al Parque

El más representativo de estos es rock al parque, no solo por ser el pionero en este tipo de manifestaciones culturales, si no por ser el festival de rock gratuito más importante del continente.
El proyecto nace como una intención de fomento y fortalecimiento de las propuestas musicales del género del rock gestadas en Bogotá. Este proyecto ya se venía gestando años atrás, cuando Mario Duarte, ex – vocalista de la desaparecida banda la derecha busca apoyo en el distrito y en los empresarios de la música, entre los que se encuentra Julio Correal, para fomentar las bandas de rock del país.
Su primera edición fue realizada en 1995 y tuvo una duración de tres días, iniciando el 26 de mayo y finalizando el 29 del mismo mes. Para esta primera edición del festival de rock al parque se contaron con escenarios como la media torta, el parque Simón Bolívar, y la plaza de toros La Santa Maria.
Desde sus inicios ha contado con la participación de bandas nacionales entre las que encontramos a Kraken, Aterciopelados, 1280 Almas, La derecha, Kilkrops, Neurosis, Masacre, La pestilencia, Agony, Tenebrarum, entre otras.
Y entre el cartel internacional encontramos agrupaciones muy importantes como Fear Factory de Estados Unidos, Café Tacuba, Fobia, Jaguares, Molotov, de México, Apocalyptica, de Finlandia, Manu Chao , Sargento García, de Francia, Paradise Lost, Carcass, de Inglaterra, Catupecu Machu, Divididos, Ilya Kuryaki and the Valderramas, Auténticos Decadentes, de Argentina entre otras.

Desde sus inicios se han presentado en el festival un promedio de 51.6 bandas por año, dejando el año 1997 como el año de mayor participación con 87 bandas y el 2002 es el año que registra el menor número de bandas presentadas, con 25 bandas en escena. En el año 2004 se presentó el mayor número de asistentes con 350.000 asistentes.

Este festival ha contado con 5 lemas a lo largo de los años, entre los cuales encontramos:

1998: Esta es tu raza Rock al Parque
2000: De todos depende que la música no pare
2003: Porque lo bueno permanece
2004, 2005, 2006, 2007: Días de extrema convivencia
2008: Vida, máximo respeto

UN VIAJE EN LO PROFUNDO DE LA TIERRA

Por : Adriana Maria Montaño Zambrano.

La Catedral de Sal de Zipaquirá es un importante destino turístico para los visitantes de Bogotá. Y turistas de diferentes partes del mundo, Considerada una joya arquitectónica de la modernidad, se trata de una antigua mina de sal que ha sido convertida en una Catedral. Presenta la asociación perfecta entre el trabajo del hombre y las hermosas formas creadas por la naturaleza.
Se encuentra construida en las profundidades de las montañas vecinas del municipio de Zipaquirá, donde por siglos la explotación de la sal ha constituido una importante fuente de ingresos para la región.
La catedral de sal patrimonio histórico, cultural y religioso. Certificado como la primera maravilla de Colombia y considerada la octava maravilla del mundo. Un sitio para renovar su fe y apreciar una de las obras de ingeniería más importante de nuestro país.
Rodeado de amplias zonas verdes, espacios de esparcimiento, plazoleta de comidas, un majestuoso centro de convenciones bajo tierra y muchas atracciones para vivir una experiencia inolvidable.
En su interior se encuentra una rica colección artística, especialmente de esculturas de sal y mármol en un ambiente lleno de un profundo sentido religioso que atrae a peregrinos y turistas.
Después de caminar por el eje sagrado se recorre el vía crucis, el visitante descenderá desde las profundidades de la catedral hasta llegar a la gran cúpula central donde se puede ver la cruz mas grande bajo tierra; desde este punto se accede a las naves principales, que simbolizan el nacimiento, la vida y la muerte del hombre.

“UN GENIO MUSICAL Y UN LEGADO HISTORICO, BEETHOVEN, ESTO FUE LO QUE DEJO”

Por: Juan Camilo Pérez G.

La carrera de un gran músico como Ludwig Van Beethoven (1770-1812) ha de desatar los pensamientos y las reflexiones mas profundas en la humanidad. Desde niño siempre estuvo relacionado con familias aristocráticas, una de ellas y la que frecuento mas, la familia Breuning, una familia que discutía sobre Shakespeare y Goethe, con quien mas adelante Ludwig estudiaría filosofía. Es aquí donde conocería a su primer amor Leonora, que mas adelante trataría a Beethoven como un amigo y alguien muy especial. Beethoven tuvo una relación muy cercana con músicos de esa época como: Salieri, Joseph Hydn y Johannn Georg que también fueron sus profesores, Ellos le enseñarían todo concepto de perfección musical en la que pasaría parte de su juventud en Viena.

En contadas ocasiones se relaciono con la realeza, su música era bien recibida por los superiores y se convertían en amigos de gran cercanía para el compositor, tanto así que llego a componerle a Napoleón Bonaparte como la sinfonía heroica N° 3 en MI BEMOL MAYOR, OP. 55.

Fue un introvertido, pero con una gran empatía en la realeza, es así como las mujeres llegaban a conocerlo, bueno, y también por sus dotes musicales, producto de estos amoríos se presume que tuvo una hija Minona Stalkerberg con Josephine Von Brunswick, a la que le haría una carta conocida como La amada inmortal, ella era una de las mujeres que habitaba una casa en Viena en la que el músico se hospedo´ con frecuencia. En su haber se encuentran obras magistrales, algunas las logro después de estar sordo como la sinfonía N° 9 que a pesar de su carencia auditiva pudo sacar adelante, se cree que Beethoven dedico los últimos años de su vida a la composición de algunas obras musicales que no se han encontrado.

Finalmente, Beethoven muere en Viena, a causa de los problemas de salud y dificultades familiares que lo aquejaban y que hicieron que su agonía fuera mucho mas extensa; dejo´ un gran legado y una gran carrera musical para aquellos que quisieran interpretarla, es el caso de Felix Weintgartner (1863-1942), que se considera como el primer interprete moderno de las sinfonías de Beethoven

UN ARTE BIEN CLÁSICO

Por: Leonardo Mejía Casas.

Esta danza tuvo sus orígenes en Francia, en época de reyes, en el siglo XIV. Comenzó como la práctica de bailes refinados en las altas cortes y lo ensayaban en los grandes salones de sus palacios. Estas interpretaciones nacen a partir de la necesidad de diferenciación entre la aristocracia y el pueblo, pues los primeros deseaban distinguirse y crear un modo sofisticado y gallardo de baile, en donde pudieran involucrar, movimientos bellos, elegantes y apasionados.

De ser un simple baile, el ballet pasó luego a ser una expresión artística y fue así como llegó a los teatros en donde era ejecutado por personas que se entregaban de lleno a esta danza y que ejercían una profesión naciente, la de bailarines. La temática de esta interpretación consistía en una historia contada por medio del baile, matizada con la actuación, un hermoso vestuario y muchos decorados escenográficos que proporcionaban un ámbito de ensueño en el que se sumergían los asistentes. Un aspecto importante en estas presentaciones fue la inclusión de la música clásica para enmarcar el desarrollo de la obra.

La evolución artística de esta práctica, ha sido constante y lo mejor es que con el tiempo dejó de ser exclusividad de la clase alta. En Colombia existen varias escuelas que llevan décadas enseñando este arte y la acogida ha venido en crecimiento, tan es así que ya podemos hablar de nuestra propia temporada de ballet, que se realiza todos los años en el mes de diciembre.

“LA SOMBRA DE LOS FUIMOS” NOVELA GANADORA DEL PREMIO PRIMAVERA DE LA NOVELA

Por: Deisy Rojas Rodríguez

Luis Sepúlveda escritor chileno es el ganador del premio Primavera de la Novela con “La Sombra de lo que fuimos”, un novela que reivindica a los humillados, perdedores y ofendidos después de la dictadura de Pinochet. Este premio es de gran importancia entre las comunidades hispanoparlantes, es convocado por la editorial Espasa y Ámbito Cultural del Corte Ingles. El escritor no solo tiene hoy el reconocimiento del premio sino la suma de 250.000 dólares.

Sepúlveda recibió la noticia en Santiago de Chile aunque su lugar de residencia es Gijón en España. El novelista chileno fue uno de los invitados a la cuarta edición del Hay Festival que se llevó a cabo en Cartagena a finales de enero. El autor refleja en su obra con humor, ironía y casi como si fuera una parodia cuenta la historia de tres chilenos que están entre los 60 años y quienes recuerdan su época de juventud entre los 60 y 70 cuando pertenecían a los grupos comunistas y socialistas de Salvador Allende.

DANZA BALLET

Por: John Miller Hernández

Conceptualizando sobre una de las artes escénicas como la danza ballet podemos hablar sobre la técnica y la dificultad para realizarla lo primero es la concentración para dominar el cuerpo, con un gran entrenamiento de flexibilidad, ritmo y coordinación musical, por lo general es una técnica que se desarrolla a una edad corta y así se facilita la interiorización y la mecanización de las técnicas.
Para iniciar se utiliza una zapatilla blanda (media punta), cuando ya existe experiencia, condiciones físicas y fuerza, los movimientos se realizan con las puntas, el vestuario debe ser cómodo y debe estar ajustado al cuerpo para poder ver y corregir los movimientos del cuerpo, brazos y piernas.
Entrando en materia sobre los diferentes tipos de ballet, entramos al concepto del ballet cortesano: que fue creado para divertir a la aristocracia en ocasiones especiales como bodas de príncipes, nobles y especialmente reyes. Sus representantes eran los nobles y bailarines aficionados. En sus interpretaciones la acción es dramática, dando mayor importancia a los temas de la mitología aunque no se abandonan temas burlescos y pastoriles.
La coreografía esta inspirada en danzas ya existentes, en los divertimentos la danza es geométrica, utilizando solo cuatro direcciones las perpendiculares al salón. Se da gran importancia al vestuario, que es muy lujoso, con tejidos de oro, plata, sedas, etc. Es frecuente la utilización de las máscaras.
Otros tipos de ballet:
Ballet de acción: ballet con argumento.
Ballet abstracto: ballet sin argumento ni libreto.
Ballet de cámara: compañía que actúa sin grandes necesidades escenográficas.
Ballet romántico: ballet caracterizado por utilizar el tutú largo de muselina blanca.
Ballet experimental: obra coreográfica compuesta a partir de una partitura inédita y que utiliza los medios escénicos y escenográficos contemporáneos.
A continuación el resultado de una encuesta que realizo el blog bailarina en el mes de febrero de 2009, a la pregunta cual cree que es la mejor bailarina hispana de ballet:
Paola herrera 70%
Marianela Núñez 20%
Xiomara Reyes 10%
En próximas entregas tendremos más información acerca de la ganadora.